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楽天は、ファッション領域強化のための有識者会を11月1日に設立するとして、説明会を開催した。ファッションアイテムに特化したサイト「Rakuten Fashion」のサイトデザインやユーザーコミュニケーションの強化が目的だ。メンバーは中島敏子「ギンザ（GINZA）」元編集長をエグゼクティブ ファッション クリエイティブディレクターに据え、アドバイザーに田中杏子「ヌメロ トウキョウ（Numero TOKYO）」編集長、スタイリストの熊谷隆志を迎えた。

楽天は10月1日にファッションブランドのアイテムを集積した「楽天ブランドアベニュー」をリニューアルし、「Rakuten Fashion」へ名称変更。サイトデザインやキービジュアルの監修に中島ディレクターらを起用し、サイトのUI／UX（ユーザーインターフェイス／ユーザーエクスペリエンス）を一新した。

三木谷浩史・楽天会長兼社長は「物流や約1億人の会員データとAIによる需要予測、決済など楽天グループが持っている全てのアセットをフル活用し、ECだけでなくリアルでもブランドを支援していく。有識者会を設立したのもブランドの役に立ちたいという思いからだ」と説明する。有識者会に参画することになった中島ディレクターは「サイトと商品へのロイヤリティーを高めることができればと思っている。昔の話をすると、日本では服をスーパーで買うことが当たり前だったが、ユニクロ（UNIQLO）が出てきて以降、ファッションのレベルが一段階上がったと思っている。今後、巨大なプラットフォームと素敵なブランドが数多くある楽天でも、同様に日本のファッションのレベルをもう一段階上げることができればと考えている」とコメントした。

これまでの楽天のファッション分野における流通総額は、子供服も含めると8000億円弱だが、「その割にはファッション業界での存在感は弱かった。今後、楽天にはスタイリッシュでかっこいい場ができる。モノを売り買いするだけでなく、コミュニケーションも重要だ。楽天ペイや楽天ポイントなどのマーケティングツールを駆使したリアル店舗への送客も大きなポイントだ」と三木谷会長兼社長。

また、説明会には「Rakuten Fashion」出店テナントの代表としてマッシュホールディングスの近藤広幸社長とジュンの佐々木進社長が登場した。両社とデイトナインターナショナルが11月7日に立ち上げ予定のECストア「スタイル ヴォイス ドットコム」と楽天との関係性は否定しつつも「有識会の布陣やサイトのリニューアル、ファッションウィークへの出資など、楽天からは本気度を感じる。ブランドやファンを守るECというのはなかなか無い。東コレの冠スポンサーとなっている楽天は、ブランド、並びに、ファンを想うECとなれるのではないか。われわれも協力し、ファッション業界一丸となって、何かしらパワーを生み出せればと思う」とマッシュHDの近藤社長。佐々木社長も「ファッション分野への本気度はもちろんのこと、商売をしっかりと行うという姿勢も感じられる。有識会のクリエイティビティーと楽天の力が組み合わされば、非常にすごいECサイトになると思う。私がここに座っていることにも象徴されるように、楽天はテナントと一緒にファッションを盛り上げていこうと考えている。われわれテナントにとっても大きな成長の機会だし、何よりもお客さまにとって安心感のある買い物ができるようになる。われわれも協力したいし、期待もしている」とエールを送った。

同社が冠スポンサーとなって初開催中の「楽天 ファッション ウィーク 東京（RFWT）」に関しては「『ブランドアベニュー』をスタートさせてから、ファッション分野は倍々で成長しているが、単にブランドに出店してください、というわけではなく、われわれもさまざまな面で応援することが必要だ。今回のRFWTにも1000万フォロワーを抱える海外の有力インフルエンサーらを招致しており、海外展開に対しても支援できるはず」と自信を見せた。

「アンリアレイジ（ANREALAGE）」の森永邦彦デザイナーは、第6回「LVMHヤング ファッション デザイナー プライズ（LVMH YOUNG FASHION DESIGNER PRIZE以下、LVMHプライズ）」でファイナリストまで勝ち残った。9月4日にパリのフォンダシオン ルイ・ヴィトン（Fondation Louis Vuitton）で行われた最終審査では、“光合成（PHOTOSYNTHESIS）”と題した“自然と共生することで完成する”新作コレクションを披露。土と水と温度により生分解される“バイオデグラデーションガーメント”、太陽の光で色が変わる“フォトクロミックガーメント”、世界地図が輝く球体型の“リフレクトグローブガーメント”を用意し、審査員や取材に訪れたジャーナリストの度肝を抜いた。

　結果、受賞には至らなかったが、「LVMHプライズ」への参加はブランドにとってプラスになることが多かったようだ。グランプリ発表直後の会場で、森永デザイナーに半年以上をかけた戦いを振り返ってもらった。

－まずはお疲れさまでした。今回は過去最高の1700組以上の応募があったようですが、「LVMHプライズ」に応募するのは何度目だったんですか？

森永邦彦「アンリアレイジ」デザイナー（以下、森永）：ありがとうございます。「LVMHプライズ」への応募は、今回が初めてです。面識はなかったのですが、元コレット（COLETTE）のサラ（・アンデルマン、Sarah Andelman）からホームページ経由で「プライズに応募した方がいいと思う」というメールをいただいて。年齢的に応募できる最後の年でもあったので、挑戦してみようという気持ちになりました。

「LVMHプライズ」のために制作されたコレクションの“バイオデグラデーションガーメント”。素材は、トウモロコシの油に由来する生分解性のあるポリエステル糸と、生分解されないリサイクルポリエステル糸を使用。土の中に埋めて、植物を育てるように毎日水を与えるとともに70度の高温環境で1カ月間保管したものを掘り起こし、水で洗って完成する。バクテリアが生分解性のある糸を食べることで穴が空き、レースのようなタータチェックやブロックチェック、花柄が現れるという、コントロールできない自然を生かした加工が特徴。左から0日、15日、30日目の状態
－最初で最後の挑戦だったということですが、どのような思いで臨みましたか？

ファイナルまで残るとは正直思っていなかったのですが、自分たちがパリで発表するようになり5年が経つ中で「LVMHプライズ」に参加することが次のステップにつながると考えていました。

－ファイナリストに選出された感想は？

率直にうれしかったです。パリコレで発表を続けていてもなかなか届かない人や出会えない人はいるのですが、2月から9月までこのプライズに関するやりとりをする中で本当にいろいろな人と出会うことができました。また同時に、LVMHグループで働く人と関わることも増え、巨大なファッション産業への捉え方や自分たちが今まで持っていなかったファッションへの視点などを与えてもらいました。受賞はできませんでしたが、この半年はブランドにとって力になることやプラスになることばかりでした。

－最終審査のために制作されたコレクションは、いつもとはまた異なるアプローチを感じました。今回、サステイナブルを意識した理由は？

「LVMHプライズ」に携わる間に他のファイナリストと話す機会も多かったのですが、その中には根からのサステイナビリティーに対する意識を持っているデザイナーもかなりいて。僕自身は彼らとはまた違う価値観で服を作っていましたが、一緒に取り組む中で影響を受けた部分もたくさんありました。それに今後自分が作るものを考えると、避けては通れない課題になってくると。「LVMHプライズ」のためのコレクションは、それを意識する第一歩であり、今回限りというわけではなく取り組みとして続けて行くつもりです。“自然と共に作る”というのは、例えば飛騨の雪ざらしのように、日本人が昔からやってきたこと。そのコンセプトを現代のテクノロジーを使って「アンリアレイジ」なりに表現していくというのは、欧米のデザイナーと異なる独特の美意識だと思いますし、自分たちにはテクノロジーと自然の両軸が必要で、それが交わるところに描きたいファンタジーがあります。

－実演も交えた展示ブースはひときわ盛り上がっていましたが、審査員のフィードバックはいかがでしたか？

審査員の反応は非常に良かったです。（非公開で行われた）最終プレゼンテーションも本来は10分間と決められていたのですが、質問が止まらずに15分以上やらせてもらいました。新たに取り組んだ“バイオデグラデーションガーメント”や“フォトクロミックガーメント”という洋服自体が自然と共生して完成するコレクションには、どの審査員も驚いていましたし、興味を持ってもらえたと思います。

－実際に参加されてみて、「LVMHプライズ」は若手デザイナーにとってどんなものだと感じましたか？

やはり夢がありますよね。30万ユーロ（約3540万円）という賞金を差し置いても、これだけのスターデザイナーとファッション業界を動かす重要人物に自分のクリエイションを直接プレゼンテーションできる機会は他にない。僕らやそれより下の世代のデザイナーが夢を見られる場所であり、今回の挑戦を通して僕も夢を見せてもらいました。

－パリでの発表に切り替えて5年が経ちます。海外での反応は、どのように変わりましたか？

東京で発表していた時は全然海外での展開や広がりは感じられなかったし、パリに出ても最初の1、2年はあまり変わらないという印象で、箸にも棒にも……という感じでした。ただ続けていく中で、「ANDAMファッション・アワード（ANDAM FASHION AWARD）」のファイナリスト選出やパリでの展覧会への参加といった機会がじわじわと増え、3年目くらいから手応えを感じられるようになってきました。「アンリアレイジ」は、パリコレで発表するブランドの中でも独特の道を歩んでいますが、それがすごくポジティブに受け止められるようになっていると感じます。

－森永さん自身の中でも考え方や価値観の変化はありました？

最初はとても力んでいて、パリの中で独行するぞ！という気持ちでした。でも今はパリ自体が自分たちに馴染みのあるものになり、すごく活動しやすいですし、理解が生まれているように感じます。今日ブースに来てくれた方も、「アンリアレイジ」を知っていて応援してくれている人が多かったですし。やはり継続することは重要だと思います。

－パリコレデビュー以降は「光」をテーマにさまざまな可能性を模索してきましたが、先シーズン（2019-20年秋冬シーズン）はまた大きく方向転換しました。そのきっかけは？

東京でも大きなショーをやるということが大きかったです。それにパリに出てきた頃は“非日常的なこと”を力んでやっていたけれど、それをもう一度巻き戻し、日常的にウエアラブルな洋服の中で少し視点の違うことをより追求しようと思いました。その結果、今までジャーナリストだけだった広がり方がしっかりバイイングにもつながり、ビジネス的にもいい影響が出ています。9月24日にパリ・ファッション・ウイークで発表するコレクションも、その方向性をさらに発展させていきます。

－海外での発表に切り替えて良かった点、逆に難しいと感じた点は？

難しいのは、やはり日本で発表するよりも費用がかかること。そして最初は英語が話せなかったので、コミュニケーションにおけるストレスが大きかったです。今も流暢なわけではないですが、次第にコミュニケーションはできるようになるし、費用に関してもそれを前提として進めているので問題はありません。逆に費用をかける分だけの広がりを実感していますし、自分たちが東京でやっていたことを客観的に見られるようにもなりました。具体的に言うと、いろんな人種や体型、価値観の人がいる中で洋服を作るというボーダーレスな感覚が生まれ、考え方がオープンになりましたね。昔は、海外は敵だと思っていたので（笑）。

－今後、どのようにブランドを発展させていきますか？

「アンリアレイジ」を立ち上げてから15年以上が経ちましたが、ブランド名に「AGE」とついているだけに、その時代時代での戦い方があると思っています。そういった約5年ごとの周期で変わることと、“日常と非日常の境界線を探る”という設立当初からずっと変わらないことを続けていくのみです。

1986年大阪生まれ。ロンドン・カレッジ・オブ・ファッションを卒業後、「WWDジャパン」の編集記者として、ヨーロッパのファッション・ウィークの取材をはじめ、デザイナーズブランドやバッグ、インポーター、新人発掘などの分野を担当。2017年9月ベルリンに拠点を移し、フリーランスでファッションとライフスタイル関連の記事執筆や翻訳を手掛ける。「Yahoo!ニュース 個人」のオーサーも務める。

「アレキサンダー ワン（ALEXANDER WANG）」は9月10日21時（現地時間）にニューヨークで開催した2020年春夏のファッションショー直後に「アディダス オリジナルス」との協業を発表した。春夏コレクションのフィナーレ直後にランウエイに設置した巨大なスクリーンに協業を示唆するイメージ映像を流し、その後、コラボレーションアイテムを着用したモデルがランウエイを歩いてショーの幕を閉じた。ショー終了後には、スクリーンが移動し、巨大なパーティー会場が出現。アディダスとのコラボレーションアイテムが展示された他、セブンイレブンやマクドナルドのパロディーブース、UFOキャッチャーなども用意された。さらに、協業を示すTシャツとスエットを“すぐ買える”アイテムも用意した。

コレクションはウィメンズとメンズの84型。ニューヨークでは9月11日、Tシャツやフーディーなどの9型を積んだポップアップトラックがソーホー、ミッドタウン、ブルックリン・ウィリアムズバーグの3カ所に止まる。場所や時間はアディダス オリジナルスと「アレキサンダー ワン」のオフィシャルインスタグラムアカウントで公開する。17日には、ロンドンと東京でもポップアップトラックが街中を走る予定だ。

セリーヌ(CELINE)から、エディ・スリマン(HEDI SLIMANE)による2019年スプリングコレクションの新作バッグが登場。2018年11月12日(月)より、セリーヌ表参道 テンポラリーストア、セリーヌ銀座にて先行発売される。

先行発売されるアイテムは、エディがセリーヌのアーティスティック、クリエイティブ、イメージ・ディレクターに就任した初日にデザインし、レディー・ガガが持ったことで話題になった「16(セーズ)」、パリで行われたエディのデビューショーに数多く登場した「C(セー)」、「TRIOMPHE(トリオンフ)」などの新作バッグ。

エディ・スリマンが手掛ける新生セリーヌのシンボルであるとともに、セリーヌが長年培ってきたクラフツマンシップを強調するクリエーションとして誕生した「16(セーズ)」。ネーミングは、改装を経て2014年よりセリーヌの本社およびアトリエの拠点となっている、パリ・ヴィヴィエンヌ通り16番地にある17世紀に建設された由緒ある建築”THE HOTEL COLBERT”に由来する。

デザインはセリーヌのアーカイブバッグに着想を得て、クロップド・フラップや丸みを帯びたシルエット、特徴的なベルト使いといった60年代のディテールを採用。マテリアルには最高級レザーとエキゾチックレザーを使用した。

70年代のアーカイブバッグからインスピレーションを得たクロージャーが特徴の「C(セー)」には、キルティング風の”タブレット”パターンや、スクエアのフォルムなど、80年代セリーヌバッグのシグネチャーも取り入れられている。

クラシカルな「TRIOMPHE(トリオンフ)」には、パリの凱旋門を囲む鎖に着想した、ダイヤモンド型のチェーンを施した。

店頭ではその他にも、ユニセックスの革小物やアクセサリー、サングラスなどが展開される予定だ。

【詳細】
セリーヌ 2019年スプリングコレクション
先行発売日：2018年11月12日(月)
展開店舗：セリーヌ表参道 テンポラリーストア(東京都渋谷区神宮前5-11-5)、セリーヌ銀座(東京都中央区銀座 6-10-1 GINZA SIX)

PVHコープ（PVH CORP以下、PVH）が擁するカルバン・クライン（CALVIN KLEIN）のスティーブ・シフマン（Steve Shiffman）最高経営責任者（CEO）が6月10日付で退任した。新CEOには、北米事業のカルバン・クライン・ノースアメリカ（CALVIN KLEIN NORTH AMERICA）やアンダーウエア事業を率いてきたシェリル・アベル・ホッジズ（Cheryl Abel-Hodges）社長が同日付で就任した。

エマニュエル・キリコ（Emanuel Chirico）PVH会長兼CEOは、「グローバルなブランドを経営する難しさの一つは、ヨーロッパやアジアなど世界中に散らばっている各チームをいかにまとめ上げるかにある。シェリルは優れたリーダーであり、そうした能力に抜きん出ている」と任命の理由を語った。

アベル・ホッジズ＝カルバン・クライン新CEOは、「私は社員がそれぞれ意見や決定権を持った、ダイナミックな組織を好む。一人ひとりが得意分野を生かして業績に貢献し、当社のカルチャーを育てていけるようにしたい。オープンにコミュニケーションを取り合い、失敗を恐れずに新しいことにチャレンジできる環境づくりに努めていく」と抱負を述べた。同氏は2015年にアンダーウエア事業の社長に就任。18年からはカルバン・クライン・ノースアメリカの社長も兼任していた。それ以前には、同じくPVH傘下のスポーツウエアブランド「アイゾッド（IZOD）」の卸部門プレジデントなどの要職を歴任している。

チーフ・クリエイティブ・オフィサーを務めていたラフ・シモンズ（Raf Simons）の退任後、「カルバン・クライン」はコレクション事業からの撤退やミラノオフィスの閉鎖、ニューヨーク旗艦店の閉店などを発表した。こうした一連のブランド再生策におよそ1億5000万ドル（約162億円）の費用がかかるとPVHは試算している。また19年6月3日には、北米におけるウィメンズジーンズのライセンスを「カルバン・クライン」のライセンス事業を行っているG-IIIアパレルグループ（G-III APPAREL GROUP）に売却した。

ラフの退任後、PVHはカテゴリーを横断して監督するファッション・ディレクター探しを続けている。キリコ会長兼CEOは、「現在も探しているが、新ファッション・ディレクターが採用された場合はシェリルの下に就くことになるので、決定権は彼女にある」と述べた。また将来的にコレクション事業を再開する可能性については、「まだ検討中だ。しかし再開するのであれば、以前とは違うものになるだろう。いわゆる“コレクション効果”を期待するビジネスモデルはやや時代遅れであり、現在は消費者といっそう緊密につながる必要がある。ソーシャルメディアが重要性を増しているので、より今日的でデジタルな方法が必要となるが、そうした戦略もシェリルが担当する」と話した。

なお、ステファン・ラーソン（Stefan Larsson）＝ラルフ ローレン（RALPH LAUREN）前CEOが6月3日付でPVHの社長に就任した。現在PVHを率いているキリコ会長兼CEOは5年間の契約更新をしたばかりだが、3～4年後には同氏がエグゼクティブ・チェアマンに、そしてラーソン新社長がCEOに就任すると見られている。

2019-20年秋冬のコレクションから、トレンドになりそうなキーワードと、そんなムードが芽生えた時代背景、デザイナーの深層心理などを考える。初回から3回は、コレクション・サーキットの先陣を切ったロンドンメンズから、若手デザイナーの思いにフォーカスした。

2019年1月1日、「日本経済新聞」は新年最初の1面で「シンギュラリティ」に触れた。「シンギュラリティ」とは2045年までに起こると予想されている、人工知能（AI）が人間の脳を超えること。この言葉は現在、それによる人類の生活様式の変化なども指す言葉としても使われている。

それから‪4日後‬、日本から遥か彼方のロンドンでスタートした2019-20年秋冬メンズ・コレクションでも「日本経済新聞」同様、「シンギュラリティ」に思いを馳せたであろうクリエイションが広がった。

技術は加速度を増して進歩・進化しているから、19年の今の段階では、四半世紀先の未来なんて全然わからない。ロンドンの若手デザイナーは、自分たちが第一線で活躍しているであろう25年後の未来を見据えつつ、すでに混沌としている現代社会、その一因を担うスマホライフ、カオスだからこそ重んじるべきダイバーシティー（多様性）やインクルーシブ（包括性）の概念などをコレクションに盛り込んだ。

代表例は、「リアム ホッジズ（LIAM HODGES）」だ。「4次元の突然変異」と題したコレクションでリアムは、得意のワークウエアを複雑にアレンジした。デニムには全面7色のタイダイ、ストリートウエアはアシンメトリーなカラーブロッキング。ジャケットにシャカシャカナイロンの未来的カーゴパンツというコーディネイトなど、コレクションは洋服単体もスタイリングも複雑怪奇。比較的シンプルな「エレッセ（ELLESSE）」とのコラボウエアも、はっ水素材とスエットを切り返してスキーブルゾンを作ったり、その上に細かく塩の結晶の写実的プリントを加えたりと手が込んでいる。

バックステージのインタビューでリアムは、「僕らは今、突然変異の真っ只中。もはや誰のアイデンティティも定まっていないし、これまで“本物”とされてきたものさえ、今後その価値は怪しくなるだろう。オンラインとオフラインの境界は、完全に消滅した」と話す。彼は、「シンギュラリティ」を迎えつつある世の中や、スマホによって様変わりした生活、そんな時代の先頭を走るミレニアルズの是非や功罪は問わず、ある意味淡々と混沌とした現代、もっとカオスな25年先を見つめている。

現代のテクノロジーと未来の世界を見つめるデザイナーは、リアムだけに止まらない。「パリア ファルザネ（PARIA FARZANEH）」のショーには、ランウエイの代わりにベルトコンベア。モデルは流れに身を任せ、代わりにスマホで自分の顔を撮影する。意志に関係なく進んだ先には、PVC（ポリ塩化ビニル）で覆われた小さな部屋があった。

自撮りモデルは次々小部屋に入っていくが、最後のモデルは、なぜか部屋に入れない。そして会場は暗転。フィナーレで初めてモデルは能動的に歩き始め、ベルトコンベアの進行方向に逆らう形でバックステージに戻っていった。「ありふれた日常生活と、新たに誕生した障壁について考えた。『今、この瞬間を記録する』ことに必死な私たちは、いつの間にかアイデンティティを失い、『今、この瞬間を生きる』ことができなくなった気がする」と話す。

「ア コールド ウォール（A-COLD-WALL）」は、テクノ素材を多用し、くり抜いたり溶接のように繋いだり、工作もしくは実験のようなアプローチで未来的ワークウエアを生み出した。ランウエイの横には、真っ黒な水の中をうごめくダンサーたち。人間の肉体の美しさを示すとともに、時に国際紛争にさえつながる無知との闘いを表している。新たな素材やテクニックを用いることで、既成概念にとらわれるが故に生まれた社会の断絶に警鐘を鳴らす。

「シンギュラリティ」を意識した未来志向のデザイナーによるクリエイションは、「宇宙戦艦ヤマト」や「機動戦士ガンダム」に登場する宇宙船の乗組員のようなフューチャリスティックなワークウエアだ。テクノ素材やPVCを多用するほか、ポケットや裾周りに熱圧着の技術やシーリングテープを使用する。インナーは、ウィメンズでは先行して19年春夏に登場した、化繊で作るコンプレッションウエア風のピタピタなタートルネック。布帛ではなく、ハードなレザーやメタルで作る“形あるバッグ”がアクセサリーのポイントだ。

既存のストリートスタイルに未来的ムードを加えているので、取り入れやすい。ロンドンを飛び越え、19-20年秋冬のトレンド有力候補になりそうだ。

「メルセデス・ファッション・ウイーク・トビリシ（以下、MBFWT）」が5月2～6日に東欧のジョージアで開催され、50ブランドがショーやプレゼンテーションで2019-20年秋冬コレクションを発表した。注目度が年々高まっている「MBFWT」だが、国自体に資源と資本が少ないこともあり、グローバルで戦えるブランドは極めてわずかだ。それぞれの個性を磨き続けてブランドのアイデンティティーを築き上げることは、デザイナーたちにとって今後の大きな課題だと感じた。

そんな中でも、世界のバイヤーから支持を集めたポテンシャルの高いブランドが3つあった。ジョージアは「バレンシアガ（BALENCIAGA）」や「ヴェトモン（VETEMENTS）」を率いるデムナ・ヴァザリア（Demna Gvasalia）の故郷というだけあり、“ジョージア・ファッション＝デムナ直結のストリートスタイル”といったイメージを抱く人も多いだろう。そんな固定観念を払しょくし、奥深い文化と伝統の新たな表現に挑む新進ブランドを紹介する。

「ル モカシン ジップ（LE MOCASSIN ZIPPE）」を立ち上げたケテヴァネ・マイッサイア（Ketevane Maissaia）は、フランスのメゾンブランドで豊富な経験を持つジョージア出身のデザイナーだ。「チャラヤン（CHALAYAN）」「アレキサンダー マックイーン（ALEXANDER McQUEEN）」でインターンを経験し、「エルメス（HERMES）」で革製品のデザインチームに加入。その後「メゾン マルジェラ（MAISON MARGIELA）」のバッグデザイナーとして働き、現在は「ロエベ（LOEWE）」のバッグデザインチームの一員としてパリを拠点に活動する。「ロエベ」のシグネチャーであるハンモックバッグは、彼女がデザインした。

「ル モカシン ジップ」というブランド名の通り、ジップの装飾が特徴のモカシンをメンズとウィメンズでそろえる。フランス製の一枚革を使ってジョージアでハンドメイドしており、すでにファーフェッチ（FARFETCH）やモーダ オペランディ（MODA OPERANDI）など高級ECサイトを中心に販路を開拓している。コンセプトストア「バイヤーズ（BUYERS）」で行われたプレゼンテーションでは、新作コレクションを履いた歌手がジョージア伝統の衣裳をまとって伝統の歌を披露し、横ではテクノミュージックを鳴らすDJとダンサーが並んでパフォーマンスするという、ジョージアの新旧音楽文化の融合を表現した。仏高級百貨店のギャラリー ラファイエット（GALERIES LAFAYETTE）やプランタン（PRINTEMPS）のバイヤーらも目を光らせており、「プレゼンテーションはパリで行っても注目されるぐらい高いレベルだった。小売価格700ユーロ（約8万6100円）は少々高いが、次シーズンに向けて買い付けを検討したい」という声もあった。

トビリシ出身で、トビリシ美術大学（Tbilisi State Academy of Arts）を卒業したばかりの22歳のアナノ・D・バークラッツェ（Anano D.Barkladze）は、独自に開発した素材とニッティングの手法を用いたニットウエアをデザインしている。今回の「MBFWT」ではショーを開催しなかったが、ショールームの一番奥のスペースで19-20年秋冬コレクションを展示した。周囲のブランドはラックに服を掛ける一般的な展示方法であるのに対し、バークラッツェはコレクションの着想源となった自然の風景をドライフラワーで再現したり、マネキンを持ち込んで洋服を着せたりするなど、イメージを明確に表現する試みが目を引いた。「セカンドコレクションとなった今季のテーマは“The Queen of the Night”。一夜だけ咲き誇り枯れていく花のような、はかなく美しく神秘的な女性像を表現した」と、コレクションについてバークラッツェは説明した。

素材はウールやデニム、シルクを織って作り、ハンドニットで編み込んでいく独自の手法を用いている。コレクションはニットセーターやアウター、ドレスのほかに、シルクのテーラードやパンツなどで構成され、温かな手仕事と力強さが感じられる内容だった。ルックブックの完成度もかなり高い。現在の取引先はロシアのコンセプトストア1店舗のみだが、価格は400ユーロ（約4万9200円）からとハンドニットとしては比較的安価で、今後の拡販に期待したい。バークラッツェはモデルのように目鼻立ちのはっきりとした端正な顔立ちで、笑顔を絶やさないチャーミングな女性だ。今後のビジョンについて「多様な素材を使い、ユニークな手触りの布を用いて歴史や美学、アート性が背景に見える洋服を作っていきたい」と語った。

中東とロシアにすでに多くのファンを持つバッグブランドが「セブン イレブン（0711）」だ。ECサイトと実店舗を持つ「モア イズ ラブ（MORE IS LOVE）」の創業者ニノ・エリアヴァ（Nino Eliava）と、その友人で同店バイヤーであるアナ・モキア（Ana Mokia）が12年に立ち上げた。ともにロンドンの大学でビジネスマネジメントを学んだ後、ファッション企業での経験を経て帰国した。エリアヴァは03年にECサイト「モア イズ ラブ」をスタートすると瞬く間に人気となり、昨年トビリシに実店舗を開いた。

「セブン イレブン」はジョージアの伝統的な手織りの技術を取り入れたカゴバッグから始まり、現在は本革やシルクを使用したバッグと小物をそろえる。構築的なシェイプと、ビーズやメタルをディテールに用いた遊び心のあるフェミニンなバッグで、価格は700ユーロ（約8万6100円）から。現在はファーフェッチやモーダ オペランディなどECサイトに加え、ロシアの百貨店ツム（TSUM）やアイゼル（AIZEL）などと取引している。「MBFWT」会期中はメイン会場の入り口付近に世界観を表現するスペースを設け、多くの人が足を止めていた。

マッシュスタイルラボの「セルフォード（CELFORD）」2019-20年秋冬は、値ごろかつおしゃれな、客の目線に寄り添ったモノ作りをさらに強化する。これまで主力のオケージョン対応アイテムにおいては、デザイン性の高いワンピースなどを2～3万円台で提供してきた。「今季は、職人さん泣かせだったかもしれないが、商品を見た後に値札を見て驚くようなモノ作りをさらに突き詰めた」（一真由子プレス）。

2019-20年秋冬は、スペイン・マドリードのガラスの宮殿クリスタルパレスに思いを馳せ、華やかな刺しゅうやつややかな素材、キラキラ光るブローチなどのアクセサリーで夢見るような世界観を表現した。トルソーに着せて目立たせたノースリーブのワンピース（4万2000円）は、八芒星などをモチーフにハンドカッティングした合皮のボディーに、複雑な模様のレース刺しゅうを重ねる非常に手の混んだ作りだ。

「これまでは一枚で主役になるアイテムがけん引してきたが、今期はセパレートで使えるアイテムにも力を入れた」という。上質な光沢が美しいシルクウールのシリーズは、ジャケット（2万6000円）、スカート（1万8000円）、ワンピース（2万7000円）を全てそろえても10万円でお釣りがくる価格。愛知・尾州のミックスツイード素材を使用したジャケット（3万4000円）も、7種の糸を組み合わせたオリジナル生地で仕立てた上品なルックスが存在感を放った。

積極的な出店も継続する。今春、大丸神戸店、三越銀座店、高島屋横浜店、高島屋玉川店、西武池袋本店、三井アウトレットパーク木更津に6店舗をオープンし、計14店舗体制となった。足元も好調で、この秋には岡山一番街（岡山市）などに3〜4店舗の増設を計画する。

オランダのスタートアップ企業ネッファ（NEFFA）はキノコの菌から服を作り、2018年にH&Mファンデーションが主催するグローバルチェンジアワード（GCA）を受賞して、注目を集める会社だ。ネッファのアニエラ・ホイティンク（Aniela Hoitink）代表はもともとファッションデザインを学び、「トミー ヒルフィガー（TOMMY HILFIGER）」などで10年間ファッションデザイナーとして従事した。なぜ、彼女は新しい素材開発の道を選んだのか。4月にスウェーデン・ストックホルムで行われた19年度のGCA授賞式に出席したホイティンクに話を聞いた。

ファッションデザイナーから研究開発の道へ――なぜ？

アニエラ・ホイティンク（以下、ホイティンク）：デザイナーとしてキャリアをスタートしたのはファッション業界をまず理解したかったからです。それから11年にネッファを設立しましたが、“NEFFA”とはオランダ語の略で「少し違うように」という意味。私にとって多様性はとても大切で、私にとっての多様性は服を意味します。服は自分が何者でどこから来たのかなどを反映してくれるから。けれど、毎シーズンたくさんの服をデザインしてきて、もういいかな、と思いました。新しいものが作れなくなっていた。それで自分がクリエイティブになれて熱中できるものを探し始めました。そこでテクノロジーに注目したのです。

突然できるものではないと思うが？

ホイティンク：出身校であるユトレヒト大学の協力もあります。私の研究テーマの根幹にはパーソナライゼーションがあります。革新的でクリエイティブなものを提案して人々の生活をよりよいものにしたい。古代から使用されてきた菌と現代の技術を融合させることで可能性があるのではと感じていました。

キノコの菌から繊維はどのようにして作るのか？

ホイティンク：台湾から持ち込んだ天然のキノコ菌を増殖させて菌糸の集合体を作ります。増殖させるには栄養が必要で、主に糖分ですが、ゆでたイモやそのゆで汁なんかも使えます。スポイトで1滴程度の菌が1週間で5cm四方に増殖します。もちろん、もっと多くの菌があればもっと速く増殖します。それを乾かすとパリっとした繊維ができるのです。粘着力があり乾かす過程でそれらを重ねればくっつくので縫製いらず。今、質感や色を研究していて、天然染めやバクテリアによる染色についても研究中です。

プロセス自体、環境への負荷は少なそうだが。

ホイティンク：例えば水の使用量に目を向けると、一般的に1枚のTシャツで2700リットルの水を使用しますが、このキノコの菌からドレスを作るのに使用した水は12リットル程度。それよりも、ほかのイノベーションとの一番の違いはサプライチェーンそのものを変えたことだと思います。一般的なサプライチェーンの、糸を紡いで、生地を織って、縫製して……という、それらのステップをすべて取り払いました。自分で素材を作り、自分で立体モデルに張り付けて服を作るのですから、廃棄物もかなり減らすことができます。自分に必要な分だけ育てるのですから。

時間も環境負荷も削減できる。

ホイティンク：コットンを使用すれば土壌が回復するまでに時間もかかるし、保管場所も要る。それが必要ないですからね。2週間前に100着分のオーダーが来てもその期間で準備ができます。服1着の生産サイクルは1年と言われていますが、これなら1カ月に短縮できます。さらに加速させて3週間まで縮めたい。よりローカルな生産が期待できるし、広い土地も必要ありません。牛革のように大量のエサも必要ありません。

透明性も確保できる。量産化は可能なのか。

ホイティンク：可能です。菌自体の大量生産は初めてではありません。例えばペニシリンは、カビ菌から採取して大量に薬剤を生産してきました。量産に向けて今、ビジネスパートナーを探しています。

今、カーディ・B（Cardi B）やプリンセス・ノキア（Princess Nokia）、リゾ（Lizzo）など、フィメールラッパーの活躍が目覚ましい。中でもリトル・シムズ（Little Simz）はジャンルを横断したサウンドと真摯なリリックから、あのケンドリック・ラマー（Kendrick Lamar）に「めちゃくちゃドープな若いラッパーがいるんだ。彼女は今一番ヤバい、本物だよ」と言わしめるほどの実力を持つ“本物”のラッパーだ。

リトル・シムズは、ナイジェリアにルーツを持つ1994年生まれのイギリス人。16歳の頃から楽曲を制作し始め、20歳の時に発表した無料EP「AGE 101」で脚光を浴びると、翌年にはデビューアルバム「A Curious Tale Of Trials + Persons」をリリース。すると同アルバム収録曲の「Wings」がiPhone 6sのCM（一部地域限定）に起用されたことをきっかけに、米経済誌「フォーブス（Forbes）」が毎年発表している「30歳以下の欧州で活躍するアーティスト」と「2016年注目のヒップホップ・アーティスト」に選出され、ローリン・ヒル（Lauryn Hill）のツアーで前座を務めるなど、グローバルで注目を集める存在となった。

16歳の頃から楽曲を制作していたそうですが、そもそもラップを始めたのはいつから？

9歳くらいかな。子どもの頃から歌ったり踊ったり描いたりって、何かしらで内に秘めるクリエイティブな要素を表現することが好きだったの。ありがたいことに両親はそういったことにすごく理解があって支えてくれたわ。

表現方法の1つだったラップで、アーティストになろうと決めた理由を教えてください。

リトル・シムズ：私はロンドン生まれ、ロンドン育ちなのに、黒人というだけでいろいろな思いをしてきた。これは私だけじゃなくて、同じようなバックグラウンドを持つ女の子たちみんながそれを経験して、子どもから大人になる。その転機に差し掛かる頃に、この思いをみんなと共有してインスパイアしたいと思ったの。ただ私は、思ったことを声を大にして伝えるようなタイプでもないし、歌も上手じゃなかった。むしろ、思ったことは日記とか絵に描いて記録するのが好きだったくらい内気だったの（笑）。でも立ち向かわなくちゃいけないと思って、その手段としてラップを選んだ。音楽のジャンルでもヒップホップを聴くことが多かったし、フロウとかライムっていうラップの要素が私にしっくりきたのも大きいわ。

ローリン・ヒル（Lauryn Hill）とか、ノトーリアス・B.I.G.（The Notorious B.I.G.）、ジェイ・Z（JAY-Z）ね。

楽曲制作の際、なんらかのテーマやルールなどの決め事はありますか？

決まったやり方は特になくて、ルールを設けないことがルールかな。ただ何かを吐き出したい衝動に駆られるのが大前提で、とにかくそのときの自分の気持ちに素直になることは大事にしているわ。あとは、かっこよく言うと音に語らせるようにって感じ（笑）。だから何カ月も仕上がらないことも、一晩でできあがることもあるし、曲によって雰囲気が全然違うものになるの。

バンドサウンドをよく取り入れていますが、ラッパーには珍しくギターやベースなどの弦楽器を弾きますよね？

でも1人のミュージシャンとして、ベストを目指したいからなの。いまの世の中にはラッパーが溢れていて、その中でいかに自分がエッジが利いて秀でた存在でいられるかって大切じゃない？みんな「ラッパーなんだからギターやベースなんて弾けないでしょ」って思うから、その常識を打ち破りたいの。もちろん自己証明的な意味合いだけじゃないわ。楽しいし、ステージでギターを弾けばロックスターの気分が味わえるしね！

「カルティエ（CARTIER）」は4月11日、新コレクション「クラッシュ ドゥ カルティエ」を発売しました。

これは、「カルティエ」は「ピコ」と呼ぶスタッズ、そして同じく「クル カレ」と称する四角錐を組み合わせた、リングを中心とするコレクション。共に古くから用いるモチーフ同士を組み合わせているので伝統的かつクラシカルな側面もありますが、全体の印象は現代的でアヴァンギャルド。そんな2面性のあるコレクションです。まずはピンクゴールドを発売しましたが、色はイエローゴールドとビンクゴールドが絶妙に入り混じったようなニュアンスカラー。これも2面性の表現でしょうか？

9月に発売予定の“クラッシュ ドゥ カルティエ”のホワイトゴールドタイプ。こちらは、よりエレガントな印象です

そして秋にはホワイトゴールドを発売します。ホワイトゴールドは、随分印象が変わりませんか？パリのイベントで一足先に見せていただきましたが、僕はホワイトゴールドの「クラッシュ ドゥ カルティエ」にアバンギャルドよりむしろ、エレガントな印象を強く抱きました。「クラッシュ ドゥ カルティエ」は人それぞれ、色それぞれ、全然違う印象を抱いちゃう、抱いてよいコレクションです。

そんなコレクションのパリでのお披露目イベントは「クラッシュ ドゥ カルティエ」の「2面性」をテーマに、テクノロジーとトラディショナル、クラシックとアヴァンギャルド、男性性と女性性など相反する要素がまさに「クラッシュ」しあうものでした。カルティエのシリル・ ヴィニュロン（Cyrille Vigneron）最高経営責任者は、「相反する価値観がクラッシュするのは今、最高にクールなことだ」と話しましたが、確かに面白かったし、カッコよかった！今日は、そんなお話をしたいと思います。

「カルティエ」は、「クラッシュ ドゥ カルティエ」のお披露目のために、「パリと言えば！」のヴァンドーム広場に隣接する空間にイベント会場を設けました。

セックスピストルズ？ベートーベン？アナタなら、どちらの扉を開けますか？

そこを訪れると、最初に待っていたのは2つの扉。1つには「SEX PISTOLS（セックスピストルズ）」、もうひとつには「BEETHOVEN（ベートーベン）」の文字が刻まれています。どちかを選んで、その扉を開けなさいと言うのです。

えー、難しい（笑）。同じ音楽だけど、全然違うから比べ難い。それでも「BEETHOVEN」を選んでドアを開けると、そこにはまた2つのドア。こうやって相反する価値観のどちらかを選び、そのドアを開ける行動を何回か繰り返します。

最初にたどり着いたゴールは、近未来的な音楽の部屋。全てがデジタルやテクノロジーとリンクしています

すると、ゴール！待っていたのは、2つの大きな空間です。僕がたどり着いたゴールは、レコードとプレーヤーが並ぶ空間。壁にはメタリックシルバーのレコードが並び、プレーヤーで実際、音楽を聴くことができそうです。写真を撮っているとスタッフが「もっと質問に答えてみない？」と近づいてきます。せっかくなので、挑戦！タブレットでサクサク質問に答えていくと、最終的に「あなたは注意深い冒険家タイプ」なんて性格診断をしてくれて、僕にふさわしいレコードをくれました。

選曲を担当したのは、ファッションショーのBGM界の超大御所ミシェル・ゴベール（Michel Gaubert）でした。音楽はSpotifyでも聞くことが出来て、このあたりは「デジタル・コミュニケーションが上手だね！」という感じです。

一方、もう1つの部屋は、対照的にクラシカル。レコードの代わりに並んでいるのは、大量の書籍です。こちらではタブレットではなく、タイプライターの前に座っている人とお話。俳句のような短い詩を書いてくれるといいます。

早速、こちらもトライすると、さっきのタブレットでサクサクな性格診断とは対照的！「最近、達成感を覚えたことは？」とか「アナタの長所は？」みたいな質問を投げかけられます。

その様子を写真で撮ってもらいましたが、なんだか人生相談みたいですね（笑）。数分、しっかり話を聞いてもらうと「わかった！考えてみる」と詩の創作がスタートします。

一言一言、慎重に言葉を選びますから、なかなか進みません（笑）。しかも、その言葉を打ち込むのは、時代錯誤とも思えるタイプライター。

会話の後、作っていただいた詩。「文章をデジタルピクセルに変換するハードルを乗り越え、世界に新たな光を」という意味。2年前、デジタル編集の世界に飛び込んだ僕にピッタリです

でも完成した詩は、ステキな思い出になったし、いただいたカードには名前のタイプミスがあってヘンテコなスペースが空いてしまいましたが、それもまた愛らしい。便利で秒速なタブレットでの性格診断とは全然別ですが、これもこれでステキだったんです。

なるほど。「クラッシュ ドゥ カルティエ」の2面性って、こういうコトなのですね。デジタルでも聞ける音楽と、タイプライターで打ち込んだポエム。2つは全然違うけれど、どちらもステキ。もちろん両方スキにならサイコーだろうけど、究極どちらをスキになってもいい。そんなイベントを通して、「クラッシュ ドゥ カルティエ」はアヴァンギャルドと思って愛しても良いし、クラシカルと捉えて愛用してくれても良い。そんな楽しみ方を学びました。このジュエリーは、一人一人の個性とか志向、価値観の違いを尊重するインクルージョン（包摂・包括性）＆ダイバーシティー（多様性）なマインドを秘めたコレクションなのです。

ちなみにこのイベント、日本でも似たような演出で5月中旬スタート予定です。

アルノー・カレズ「カルティエ」インターナショナル・マーケティング＆コミュニケーション・ディレクター

メゾンのコミュニケーションを司るアルノー・カレズ（Arnaud Carrez）「カルティエ」インターナショナル・マーケティング＆コミュニケーション・ディレクターは、「『カルティエ』は昔から2面性を持っている。例えば“カルティエ ラブ コレクション”。エターナルな『愛』を象徴するコレクションながら『束縛』というセンセーショナルな言葉を用いたコミュニケーションは、発売当時大きな話題を呼んだ。ジュエリー業界のリーダーとして、限界を突破する。そんな精神に溢れている。『2面性』は、“クラッシュ ドゥ カルティエ”に限った話ではないんだよ」と教えてくれました。なるほどです。

ちなみに今回のプレストリップ、ディナーも2面性に溢れていました。かつては監獄だったこともある会場に総勢350人、うちセレブだけでも100人越えの盛大なディナー。ホタテとトリュフでホワイト＆ブラックな前菜。甘いピーチを模しているのに食べたら酸っぱいデザートなどなど。アフターパーティーのパフォーマーは、トランスジェンダーの歌手だったり、オッさんなのにイケイケDJだったり（笑）！いろんな人がいるし、いろんな価値観があっていい。そんなことを改めて思わせてくれたコレクションであり、イベントでした。

AOKIは、都心の旗艦店である「アオキ」渋谷宮益坂店のウィメンズエリアを大幅改装して、5月19日にオープンした。宮益坂店はウィメンズ売り上げの構成比が全店舗の中でも上位で、AOKIウィメンズのブランド価値を訴求するのに最適な店舗と位置付ける。内装や什器から、ウィンドー、ショッパーにいたるまでウィメンズに関する内容を全面刷新した。売り場面積は改装前の約1.4倍の90平方メートルに拡大した。

店内は通勤やオフィス、出張など、働く女性が日々過ごす仕事のシーンに沿ってエリアを構成し、着用シーンをイメージすることができる商品を展示している。内装には1960年代の海外ドラマのスタジオセットをイメージしたかわいらしい小物が散りばめられており、女性が楽しんで買い物ができる空間となっている。また、店外通路のウィンドーをウィメンズ単独の商品展示にするなど、店内外ともに商品ディスプレーを工夫した。

接客面においては、商品知識やコーディネート提案などの接客技術の社内資格を持つ「レディーススタイリスト」がスタイリングをサポートする。

今回の改装は、2017年から商品戦略パートナーを務める齊山陽子クリエイティブ・ディレクターが監修。オフィスシーンを切り取ったウィンドーやフォトスポットを用意することで、20〜40代の働く女性の客層拡大を図り、中長期的にAOKIブランド全体におけるウィメンズ売り上げ構成比を現在の17％から20％に引き上げることを目指す。

BIGBANGや2NE1など大人気グループを多く世に送り出してきた韓国の大手芸能プロダクション、YG ENTERTAINMENTに所属するiKONは、同事務所が企画したサバイバル番組「WIN: WHO IS NEXT」（2013年放送）、「MIX & MATCH」（14年放送）から結成されて15年にデビューした7人組ボーイズグループだ。力強いダンスと圧巻のパフォーマンス力に加え、ヒップホップ調の曲からバラードまで幅広くヒット曲を出し、現在国内だけでなく海外で人気を集めている。

中でも18年1月にリリースした「LOVE SCENARIO」は韓国の主要音楽チャート8つで1位を獲得し、合計で42日間連続で1位に輝いた。17カ国のiTunesチャートでも1位を獲得。8月24日から日本での全国ツアー、9月26日に2年半ぶりとなる待望の日本アルバム「RETURN」の発売を控えている彼らに、アルバムやファッションのこだわりを聞いた。

約2年ぶりのリリースとなった2ndフルアルバム「RETURN」のコンセプトは？

恋愛小説をイメージして作った。中でもタイトル曲の「LOVE SCENARIO」に注目して聴いてほしい。

日本ツアーの見どころは？

新曲はもちろん、今回のライブでは皆ギャグをパワーアップさせたので（笑）、面白いトークに期待してほしい。7人とも日本語が話せる分、日本語で盛り上げられるように頑張りたい！

日本での思い出は？

僕は長野で温泉に入ったこと。

みんなで富士急ハイランドに行ったこと。ジェットコースターにも乗って、いい思い出になった。JU-NEくんだけジェットコースターは乗れなかったけど。

みんな好きだけど、僕だけ苦手で乗れない。

日本のコンサートでの思い出は？

前回のツアーの最後に、今まで感じたことない感情が思わず沸き起こったのを今でも覚えている。言葉で説明するのは難しいけれど、とにかくファンの皆さんに対する感謝の気持ちでいっぱい。

YGジャパンの社長に日本語がすごく上手になったと褒められたこともうれしかった。

日本語はどのように勉強している？

僕は映画を見たり、マネジャーさんと電話したりして勉強している。

ファッションのこだわりは？

ズバリ、ファッションには正解はない！自分が好きなものを着ればいいと思う。

その日の気分に合わせてファッションを替えていて。iKONの中のファッションリーダーといえばDKくん。一番ファッションに興味を持っているメンバーだから。

DK：そんなこと言われると少し恥ずかしいけど（笑）。僕はスニーカーが特に好きで、たくさん持っている。

気に入っているブランドは？

「プラダ（PRADA）」！（スマホを指しながら）前はスマホケースも「プラダ」だった。今は「グッチ（GUCCI）」だけど……（笑）。

「ナイキ（NIKE）」が好き。

JU-NEくんは「アディダス（ADIDAS）」なのでは？JU-NEくんのシグネチャーは「アディダス」のトレーニングジャージー。

もはや僕の体の一部で、毎日着ている。それしか持っていないというのもあるけど（笑）。「アディダス」はずっと愛用している。

洋服の買い物はどこで？

DK：弘大（ホンデ）や狎鴎亭（アックジョン）が多い。

日本ではどこで買い物する？

渋谷とか原宿。あと最近はみんな古着にはまっていて、日本では「シカゴ（CHICAGO）」に行くことが多い。

僕は「シュプリーム（SUPREME）」や「グレイト（GR8）」が好き。

新年度がスタートする4月は、職場に初々しい新入社員が入ってくるシーズンだ。これまで業界に携わったことがなく、右も左も分からない状態の新入社員も多いはず。また、そんな新入社員からどんな質問を受けるかドキドキしている先輩社員もいるだろう。そこで初の試みとしてインスタグラムのストーリーズ機能を使用し、今さら聞けない素朴な質問から長らく抱いていた疑問までを募集。4月8日発売号の紙面で、編集長をはじめとした編集部員を総動員して回答した。しかし、紙面では伝えきれないものも数知れず。ここではそのうちのいくつかを紹介する。

パリコレって結局私たちの服にどう反映されてるんですか？

1980年代から2010年代前半までは、「半年に1回発表されるパリコレの服を、アパレルメーカーやファストファッションが参照（時にはコピー）して量産してもうける」ことがファッションビジネスのひとつの柱でした。しかし最近はその状況が変わり、トレンドの変化の波は小さく、また、ランウエイだけではなくSNSやストリートといった地点からトレンドが生まれるケースが増えています。

しかし、パリコレを始めとするデザイナーブランドの影響力は健在です。例えば最近、影響力が強いブランドは「グッチ（GUCCI）」や「バレンシアガ（BALENCIAGA）」ですが、あなたの周りにかかとを切り落としたようなローファーを履いている人がいたらそれは「グッチ」から、厚底スニーカーを履いている人がいたらそれは「バレンシアガ」からの影響が大です。ちなみに、ニット（編物）と布帛（織物）を切り替えたようなトップスは「サカイ（SACAI）」が15年以上前から作り続けたことで浸透したデザインです。

影響力が健在な理由はシンプルです。パリコレで名が知られるデザイナーたちは、新しい服作りに対して本気だからです。“本気”だなんて青臭いようですが、これがとても重要です。他者が真似したくなる、新しいデザインを生み出すことは容易ではありません。新しいカタチが出尽くしたと言える現代は、素材の選択やパターンの研究も重要です。例えば同じ白いTシャツでも、去年より少し丈が短いTシャツが魅力的に見える、そんな私たちの心理の背景にも“本気の”デザイナーがデザインしたTシャツが関係していたりします。

また最近は、ファッションブランドと社会的メッセージが以前より密接になっています。パリやミラノで発表している大手企業だけではなく、新進デザイナーの多くがサステイナブルや多様性といった新しい価値観に向き合い、服を通じて伝えることでムーブメントが生まれています。そういった意味でも間接的に私たちが選び着る服と関係していると言えます。（編集長C.M.）

やっぱりストリートからテーラードがトレンドになっていきますか？

ナイロン製のシャカシャカブルゾンやグラフィックプリントのロンT、ガチャベルト、スニーカーが一気に廃れるとは思いません。けれど「オフ-ホワイト c/o ヴァージル アブロー（OFF-WHITE c/o VIRGIL ABLOH）」や「ヴェトモン（VETEMENTS）」風の安直なストリートは、次の1〜2年で淘汰されるでしょう。代わりに台頭するのは、フォーマル。ストリートブームの中、「俺は、何を着たらいいんだ？」と思っていたオジさん、「フーディー以外も着たくね？」と考えている若い世代に贈る、装いの原点に立ち返ったスタイルです。ただ全体的にオーバーサイズだったり、スーツ生地を使ったブルゾンだったり、ボディーバッグやスニーカーを合わせたりと、ストリート経験者の“視点”が生きたフォーマルになるでしょう。

“モード”はフランス語で、日本語訳は“流行”。英語訳は“ファッション”。従って“モード系ファッション”は本来、“頭痛が痛い”に近い誤用法です。日本では“モード系ファッション”という言葉は、すなわち全身真っ黒や、個性的なフォームの洋服を着た人・スタイルを指して使用することがありますが、これは本家のフランスでは通用しない“モード”の誤った使い方です。このような誤用が生まれる背景には、個性的であることを良しとしない日本社会の根強い価値観が影響していると思われます。「WWDジャパン」読者のフレッシャーズの皆さんには、“モード”とは“時代の半歩先をキャッチし、新しい価値観を通じて誰かを今より少しハッピーにするファッション”くらいのニュアンスで使用してほしいと思います。

一言で言えば、“今”を象徴する最先端のスタイル、もしくは“未来”に通じる半歩先のスタイルだと思います。真っ黒でスキニー＆シャープなスタイルだけがモードではありません。それが新しくて、“今”という時代と密接にリンクしていたり、ファッション業界の“未来”を切り開く力を持っていたりすれば、トラッドだって“モード”です。トレンドとは、どこかで生まれ、周りに少しずつ広がり、気づいたら爆発的に増殖し、飽きられ、終焉を迎えます。“モード”は“少しずつ広がる”くらいまでのステージにあって、時代にフィットしているから今後爆発的に広がりそう、だから社会や経済に大きな影響を与える可能性を秘めている胎動です。

カール・ラガーフェルドの功績って？

最大の功績は、ココ・シャネル（Coco Chanel）が生み出したアイコンを現代的に蘇らせ、“死んだブランド”とまで言われた「シャネル（CHANEL）」を一大ラグジュアリーブランドへと復活させたことです。カール・ラガーフェルド（Karl Lagerfeld）が「シャネル」のデザイナーに就任したのは、37年前の1982年。現在におけるアーティスティック・ディレクターの先駆けでもあり、80年代の「シャネル」のコレクションは今見ても古さを感じさせないことに驚きます。「フェンディ（FENDI）」では半世紀以上（1965年〜）、「クロエ（CHLOE）」でも25年以上デザイナーを務め（1964〜78, 92〜97年）、自身の「カール・ラガーフェルド」も手掛けていたので（1984年〜）、最も多彩で多作なデザイナーでもありました。

日本流行色協会のように世界各国に流行色協会やリサーチ会社が存在し、それぞれがトレンドカラーを予測しています。この予測は、ライフスタイルの変化や社会情勢などと密接に関わっていて、コレクションは1年先のシーズンのショーを発表していますが、カラーはそれよりももっと先の予測をしています。とはいえ、必ずしもデザイナーやアパレル企画担当者がこれらの団体や組織が提案する色を採用するとは限らず、自分のインスピレーションや感覚からその時に使いたい色を採用することも多いのではないでしょうか。社会のムードを敏感にキャッチするデザイナーたちの間で、結果的に使用するカラーが同じ傾向だったということも多々あると思います。

製造小売業の略で、自社のオリジナルブランドを自身の店舗で売る業態のことです。初めてこの単語を使って自らを定義したのは80年代の「ギャップ（GAP）」です。今となっては無数のSPAがありますが（「ユニクロ」も「アースミュージック＆エコロジー」も「マウジー」もみんなそう）、当時は非常に先進的なビジネスモデルでした。それまでのアパレル産業は、作り手（ブランド側）と売り手（小売店）が別で、ブランド側が商品を消費者に届けるためには、百貨店や専門店に売ってもらう必要がありました。しかし、SPAは作り手と売り手が一体のため、その分中間コストがかからないうえ、店頭での売れ行き状況などをダイレクトに企画に反映できるようになったのです。